La innovadora idea de crear algo así surgió del que es socio de Valentino desde 1960, Giancarlo Giammeti (ing.). El objetivo principal era recopilar toda la obra del modisto, las creaciones que han visto la luz a lo largo de toda su trayectoria, pero de una forma novedosa  y también más económica.

No es el primer intento  museístico del diseñador retirado. Es más, ya había tratado de recopilar su obra en otras dos ocasiones. En la primera de ellas, el proyecto de museo se vio truncado por la negativa del alcalde de Roma a ceder para exposición permanente un edificio de la ciudad. En la segunda ocasión, durante el verano de 2010, Valentino habilitó parte de los jardines privados de su castillo de Francia para colocar una exposición con los archivos de su carrera. Esta fracasó por impracticable, porque el acceso solo podía hacerse mediante citación previa.

Parece que con este museo digital, Valentino ha dado por fin en el clavo y ha podido ver realizado su propio centro de arte.

En el museo se ha tratado de mantener una simplicidad de líneas depuradas que da toda el protagonismo a las piezas

La página ha sido montada enteramente por personas del mismo equipo del modisto y por el estudio Kinmonth (ing)-Monfreda.

EL museo virtual está inspirado en la luz y el ambiente de Roma. Se trata de un espacio blanco y minimalista, sobre el que resaltan mejor los colores y formas de los diseños, y por el que puede avanzar el internauta como si se tratara de un museo al uso, gracias a la alta tecnología 3D empleada. El museo recoge 300 trajes en10.000 metros cuadrados. Los trajes son reproducciones muy precisas y cada pieza está tomada en  360 grados, de manera que se puede ver desde cualquier ángulo y así apreciar cada pequeño detalle, como si se pudiera girar alrededor del maniquí en la realidad, o acercarse y alejarse de él. Además,  la calidad gráfica ha sido algo en lo que se ha puesto mucho empeño.

El Valentino Garavani Virtual Museum es una iniciativa pionera que permite minimizar gastos y multiplicar la audiencia

Giammetti encontró la inspiración en una visita virtual que hizo a la fundación Barnes, una galería de arte. Al respecto,    afirmaba hacía unas semanas para WWD: “Vi que podía navegar a través de salas llenas de cuadros y que era real, gracias a una cámara que deambulaba por el museo. Me pregunté si sería posible generar desde cero un museo. Empezamos el diseño con dos propósitos: conseguir recrear la luz tan especial de Roma y no solo enseñar los vestidos, si no también la historia que hay detrás de ellos: desde el primer boceto hasta cuando lo luce su dueña”.

En efecto, el museo no solo alberga los modelos en sí, sino también muchísima información sobre cada uno de ellos: su historia, quién lo ha llevado, en qué ocasión…

No hay que olvidar que Valentino ha sido el modisto de cabecera de gran número de mujeres conocidas, y así, en este archivo visual, podemos encontrar diseños que han vestido a figuras como la princesa Diana de Gales, Liz Taylor, Ava Gardner, Sophia Loren o Julia Roberts, entre otras. Se puede  ver, incluso, el famoso traje corto que llevo Jackie O. en su boda con Onassis, una de las más famosas creaciones del diseñador.

También se puede disfrutar de más de 5.000 imágenes relativas a la vida del modisto y su trayectoria, así como de explicaciones biográficas, comentarios de amigos, bocetos, etc. Además, se han reunido aproximadamente un centenar de vídeos que muestran los más destacados desfiles de una marca que celebró su 45 aniversario en la moda con tres días de festejos en la ciudad de Roma en el año 2007. Entonces ya se organizó una gran exposición retrospectiva real en el Ara Pacis, y ahora ha llegado la hora de hacer otra permanente en la red.

El proyecto se venía anunciando desde hacía tiempo a través de las redes sociales como Twitter y Facebook, y fue en ellas dónde aparecieron los primeros vídeos y avances.

 [Avance del museo]

La realización del proyecto ha sido posible gracias al apoyo de la compañía -para la que hoy diseñan María Grazia Chiuri y Pier Paola Piccioli- que ha cedido los archivos al diseñador aunque vendiera su marca en 2007.

 [Vídeo de la presentación en Nueva York del Valentino Garavani Virtual Museum]

Hoy, vivimos en una sociedad que se caracteriza por la evolución constante y por un ritmo de vida muy acelerado, que no nos permite detenernos. En ella, las tendencias cambian cada vez más rápido: lo que hoy es un boom mañana cae en el olvido, y esto hace que  la industria de la moda se desoriente en su intento de mantener una relación estable con el mercado: ¿Qué quiere la gente ahora?o más bien, ¿Qué querrá el día de mañana?

La respuesta a esta pregunta es más difícil de responder que nunca, porque el trato entre la industria de la moda y el público nunca había sido tan complejo y al mismo tiempo tan equilibrado. En la actualidad, debido sobre todo a la explosión de Internet, el ciudadano tiene cada vez más poder en todos los ámbitos, y como no, también en el mundo de la moda. Estamos, dicen los expertos del fashion-world, en medio de una debilitación de la Industria, que antes regía con total libertad y hoy tiene que escuchar y atender más voces que nunca.  La influencia de los blogs y los sites de moda, que diseminan el mensaje de autoridad que imponía anteriormente las tendencias, así como la moda en la calle, que está triunfando en Internet, ponen en un aprieto a las grandes firmas: ¿Qué hacer para dar en el clavo? Con tanta información, tantos estilos, tanta “riqueza” creativa, ¿cómo acertar? La solución parece que es salir a la calle en busca de una orientación que pueda “dar a luz” a una tendencia de éxito.

En esto consiste el coolhunting, término que traducido del inglés quiere decir literalmente “caza de lo cool”, si entendemos lo cool como las nuevas tendencias. El coolhunting consiste en salir a a la calle, observar hasta encontrar  una posible fuente de tendencia, y buscar aquello que pueda ser trendy en un futuro. A veces no es algo concreto sino una sensación que puede traducirse en un estilo. Luego, con las conclusiones de este trabajo de calle, se hace un informe o una comunicación a las marcas, que asumirán esta información y diseñaran de acuerdo a los consejos recibidos.

El coolhunting nace en los años 90 en EEUU, y hoy por hoy, hay ciudades con gran tradición en esta disciplina, que suelen coincidir con las grandes capitales de la moda como Nueva York, París o Milán, aunque  también es cierto que se está encontrando mucha inspiración en el continente asiático, en lugares como Tokio o La India.

Esta es una labor llevada a cabo por los coolhunters o “cazadores de tendencias”, que son aquellas personas que están atentas a las señales que el mercado envía y luego saben plasmarlas en el mundo de la moda.  Las personas encargadas de empaparse del ambiente callejero, infiltrarse en los clubs, pubs, cafés.. y recopilar información sobre posibles futuras modas que “vender” a las firmas para las que trabajan. Coolhunter no puede serlo cualquiera, puesto que se necesitan una serie de características para desempeñar este trabajo tan singular y novedoso: no solo unos estudios relacionados con el mundo de la moda, la publicidad o el marketing, (son inevitablemente necesarios  conocimientos previos sobre el funcionamiento del mercado en cuestión) sino también resultan imprescindibles cierta dosis de intuición y olfato. Se trata de un trabajo arriesgado, ya que consiste en valorar cosas intangibles como “la tendencia”, algo que aún no existe. Hay que tener buen ojo clínico, pues no todas las tendencias captadas se convertirán en moda.

¿Cómo distinguir lo anecdótico de lo que realmente puede funcionar? Hay quien tiene un don, pero también la experiencia ayuda: “Cada vez tiendes a analizar más rápido lo que puede ser o no ser fashion el día de mañana, te aparece como un scanner visual con el que vas analizando a la gente”, dice Carla Gutiérrez, experta en tendencias.

Los coolhunters son investigadores de mercado, sin embargo, se ocupan de la sección más creativa, (no por ello menos seria), del mismo. Precisamente por la imprecisión del concepto “tendencia” y por trabajar sobre moda, tienden a estar infravalorados y su trabajo no tiene todavía un absoluto reconocimiento oficial aunque  va por el camino de conseguirlo sobre todo en los grandes centros neurálgicos de su actividad. Además, la proliferación de páginas webs y empresas dedicadas a esta materia demuestran el interés por esta actividad tanto por parte de la Industria como de los investigadores por el potencial que tiene.

Algunas instituciones como ESME (Escuela Superior de Moda) o el Instituto Europeo di Design han promovido en los últimos años multitud de masters y seminarios sobre esta actividad.

En Londres, en el año 1998 surgió la  WGSN ( Worth Global Style Network) con el fin de analizar y predecir tendencias de moda, un antecedente de lo que hoy es el coolhunting. Firmas de todo el mundo están suscritas a su web. Los representantes defienden la completa validez de su labor, que se ve cuestionada  porque carece de una metodología especifica. Y es que no es un método fijo: “Se trata de tener inteligencia creativa y utilizarla de la mejor manera” declaraba Ruth Marshall, el editor. “Es mejor que no haya un método de trabajo establecido a seguir, coartaría la creatividad”.

Acompañado por su cámara de fotos o vídeo, la rutina de un coolhunter consiste en explorar la calle, llegar en el momento preciso antes de que la tendencia en cuestión sea caduca o ya esté inserta en el mainstream. Para Joana Gómez, que trabaja en esto desde Barcelona, “el coolhunter no busca. Encuentra. De una manera natural, siendo muy sensible ante todo”, captando lo verdaderamente esencial.

Un coolhunter sería, de esta manera,  un early adopter, ya que es el primero en asumir y comunicar la tendencia. (ing)

Sin embargo, no basta con que un coolhunter capte una tendencia, la comunique a la marca y esta a su vez la refleje en su colección. No es suficiente para triunfar, hacen falta “trendsetters”, es decir, personas que establecen la tendencia. Hablamos de itgirls e itboys,  personas que cumplen con unas características también inconcretas y variables pero por las cuales la gente les imita estéticamente. El de itgirl-itboy es un término que cada vez se encuentra con más frecuencia en publicaciones de moda o cuando oímos hablar a alguien del sector.

Puede que en un  café de Japón un coolhunter observe unas botas de estilo militar, e informe a la marca, pero hasta que Kate Moss no se las pone no se produce el boom. De eso se trata, de plantar la semilla para que haya una expansión masiva. Y  en el proceso, pasa mucho tiempo.

Desde que el coolhunter ve y transmite una información hasta que la marca la asimilar y decide tejidos, colores, corte y demás puede transcurrir más de un año, y hasta que se impone en la calle a través de estos trendsetters, mucho más.  Hablamos,  al referirnos a la actividad de coolhunting, de adelantarnos en el tiempo unos 2 años. De ser auténticos visionarios de la moda.

Por otra parte, la función del coolhunter puede ser enfocada de distintas maneras por parte de la marca: Bien como una inspiración “abstracta” o  bien como fuente concreta. Es decisión suya si quiere evitar ver la referencia para no contaminar su posterior fase creativa o si quiere, en cambio, seguir “ a pies juntillas” la línea de lo que le ofrece el coolhunter en cuestión.

Aunque la utilidad ultima sea crear moda, los expertos  nos recuerdan que no se trata solo de eso.  En el proceso lo que hacen también es un estudio “social” para extrapolar ideas de  todo lo que puede revelar nuevas tendencias: música, literatura, cine,  corrientes artísticas, estéticas… Por ello, hay quien cree, como Gema Requena, responsable de tendencias de la empresa barcelonesa Bomb!, que el término cool limita y frivoliza la cuestión. “En mi caso, suelo hablar de valores sociales que debemos captar, reconocer y aprovechar para conectar la marca con los individuos, con los consumidores, hoy por hoy distribuidos en nichos o microtargets”

En España esta disciplina está aún en proceso de implantación, pero ya hay nombres que suenan con fuerza, como el de Victor Gil, que recientemente ha publicado un libro en el que saca a la luz sus conocimientos en este terreno y responde a las cuestiones clave, como si realmente es posible anticipar si algo puntual podrá convertirse en moda o la suerte es un factor a valorar, si se puede aprender a hacerlo y cómo.

[Entrevista a Vistor Gil]

La iniciativa que ha puesto en marcha Mango  ya nos indica la creciente fama de esta actividad: la del coolhunter es una profesión aun en fase de desarrollo, de las que mejor suenan pero menos se sabe, y lo cierto es que el rumbo del mercado, cada vez más competitivo y veloz, la está convirtiendo en una de las más demandadas dentro del mundo de la moda y el marketing.

[Reportaje TVE sobre Coolhunting]

Este galardón que se le otorga al reconocido modisto es el más significativo de todos los premios de la moda norteamericana, y reconoce su carrera y su papel como figura clave del diseño a nivel mundial.  Se le entregará el 12 de septiembre del 2012, y se ha elegido esta fecha para que la celebración coincida con la New York Fashion Week.

La presidenta del Fashion Institude Joyce Brown ha declarado que esta concesión es una muestra de reconocimiento a Oscar de La Renta por su trabajo, y le califica de “leyenda para todo el que ame la moda”.

El diseñador ha agradecido el premio y ha alabado la labor de la Institución en servicio de la moda.

De la Renta, nacido en la República Dominicana, se trasladó a España siendo joven y estudió moda en Madrid, donde conocería a Balenciaga y comenzaría a colaborar con el ilustre modisto español. Posteriormente colaboraría con la casa Lanvin en París, hasta que en 1963 se trasladó en Nueva York. Allí se asentó y ha permanecido hasta hoy, consiguiendo la nacionalidad estadounidense en 1971, y renunciando en consecuencia a la dominicana. Adaptado al más puro estilo de vida neoyorquino, esto se ha plasmado en sus diseños en toda su carrera de modo que es considerado, como explica la Directora del museo del Fashion Instituye of Technology, uno de los más grandes embajadores del estilo estadounidense. Este estilo también tiene claras influencias de la haute couture francesa y española, y la herencia latente de sus orígenes latinoamericanos.

A la edad de 81 años, el diseñador ya ha recibido otros muchos premios importantes que le reconocen su brillante trayectoria y su talento con la aguja. Entre los galardones, en 2002  obtuvo la Aguja de Oro, el mayor premio de la moda de España, y es que el diseñador nunca se ha desvinculado de nuestro país y es uno de los modistos más queridos y valorados.

La condecoración del FIT  fue otorgada en ediciones anteriores a otros diseñadores de talla internacional como Valentino (en 2011), Kart Lagerfeld (2010) o Dries Van Noten (2009).

Irene González

La colección diseñada por la modista  para la cadena H&M saldrá en solo 300 puntos de venta de todo el mundo, y se esperan larguísimas colas en los establecimientos seleccionados para adquirir las piezas más low cost de la casa italiana.

La sobrina del emblemático diseñador Gianni Versace ha recuperado para esta selección los elementos más representativos de la marca, y el resultado es puro Versace: estampados extravagantes, colores vivos, aires helénicos, metalizados y, sobre todo, un barroquismo que identifica cada prenda como creación suya.

También se presenta una colección masculina paralela, que contará con los mismos elementos genuinos de la marca. Americanas estampadas, ribetes en dorado, cuellos metalizados, pantalones con motivos tropicales… En definitiva, Donatella propone un hombre original y trasgresor que nunca pasa desapercibido.

Los precios de esta colección limitada oscilan entre los 14,95 euros hasta los 299, considerablemente asequibles en comparación con los que suele tener la firma Versace.

No es la primera vez que H&M hace una colaboración de este tipo, de hecho, ya acumula a sus espaldas participaciones de otros grandes diseñadores que han querido asomarse al mundo del low cost, y cada vez tienen más repercusión y son esperadas con mayor impaciencia, convirtiéndose en un gran evento a escala mundial.

 Fue en 2004 cuando H&M emprendió este desafío de ceder sus talleres para realizar colecciones de bajo coste a diseñadores de renombre. La realidad es que fue todo un acierto comercial, pues ha mejorado la imagen de la cadena sueca y esto ha repercutido en sus ventas.

Karl Lagarfield se atrevió a ser el primero en esta aventura empresarial

Haciendo un breve recorrido, encontramos la primera experiencia, con Karl Lagerfeld, toda una sorpresa para el público
y un triunfo empresarial. Le siguieron otros, como Stella McCartney, Roberto Cavalli o Viktor & Rolf, que puso su excentricidad característica a “pie de calle”. La colección creada en 2008 por Commes des Garcons funcionó de manera excelente en Oriente, aunque no tanto en Europa y América.

 Mathew Williamson fue el siguiente, y su colección para el verano del 2008 salía tras una importantísima campaña publicitaria. Las prendas, de tonalidades alegres, realizadas con tejidos frescos, y con cierto aire tribal característico de la firma, resultaron todo un éxito, las tiendas pronto se quedaron sin existencias.

Y llegó el bombazo: Jimmy Choo, la exclusivísima marca americana, famosa en todo el mundo por su calzado, se prestaba  el año pasado a la fusión y presentaba una colección en la que, aunque las estrellas, lógicamente, eran los zapatos, también se incluían todo tipo de complementos e incluso alguna prenda de ropa. La colección salió a la luz como si de un gran estreno se tratara: incluso H&M tuvo que establecer un sistema para que no reinara el caos, de modo que los primeros 160 ansiosos fans de Jimmy Choo que esperaban en la calle desde horas antes de la apertura de puertas, eran  obsequiados con unas pulseritas y de este modo, podían disfrutar de la colección en pases reducidos de 10 minutos, en los cuales solo podían adquirir una pieza de cada modelo.  Fue una autentica locura, y como no, un tanto que apuntarse para H&M y para la renombrada firma estadounidense, a quien le resultó muy beneficioso este baño de multitudes para darse a conocer como algo más que una marca de zapatos (de lujo, eso sí).

Los precios normales de Jimmy Choo raramente descienden de los 400€. En H&M se podían encontrar modelos por menos de 100€

También en 2010, Sonya Rickel y Lanvin, dos grandes pesos pesados, se animaban a formar parte de este fenómeno social.

Alber Elbaz, director artístico de Lanvin, comentaba acerca de esta colaboración:  “¿Qué es el lujo hoy en día? ¿Puede ser exclusivo y democrático al mismo tiempo? ¿Cómo podríamos traducir la esencia del lujo a un público más amplio? Nuestro mundo está cambiando a una velocidad vertiginosa y me encuentro muchas veces a mí mismo preguntándome las mismas preguntas una y otra vez. Normalmente, el trabajo de un diseñador está dirigido a un reducido grupo de personas, pero la colección que hemos creado para H&M tenía el fin de trasladar el sueño del lujo a la gran mayoría. Ha sido como volver a la escuela para mí”

En la colección de Lanvin predominaron los vestidos cortos llenos de color

Esa es la idea originaria: diseño de lujo para todos.  Las grandes firmas saben el deseo de muchos consumidores de acceder a productos que habitualmente están fuera de su alcance, y, de forma ocasional, les permiten hacer sus fantasías realidad.  Evidentemente, existirá una diferencia cualitativa entre un producto, digamos, “original” de Versace y uno fabricado a bajo coste, y, por ello, no todos están dispuestos a ceder: Christian Louboutin afirma que él rechazó hacer una colaboración con la firma sueca porque su buen nombre también depende de la calidad de sus productos, y le resultaba imposible trasladar su sello a materiales low cost como los que manejan en el taller de H&M.

Opiniones sobre este fenómeno hay para todos los gustos, hay quien lo alaba como la clave de la democratización de la moda, y hay quien lo rechaza por ser una suerte de “prostitución” de la alta costura, pero a la vista está que los resultados de ventas son, por lo general, muy positivos.

IRENE GONZÁLEZ REGUERA

Los blogs de moda se han convertido en un fenómeno que crece cada día y han producido un verdadero cambio en la industria. Es imposible no reconocer que esta avalancha de bloggers, gente generalmente joven, cargada de ilusión y de pasión por la moda, ha transformado la forma de entender este mundo. Marta Arechabala, con sólo 21 años, es una de las blogueras más conocidas, su bitácora “Miss Butterflyme” ha recibido ya más de 400.000 visitas.  Colabora activamente con distintas marcas de ropa, hace promociones, diseña… Y todo lo que hace lo muestra a sus seguidores desde su pequeña plataforma personal, que cada día se hace más grande.

Marta parece una niña, con las mejillas sonrosadas del frío y una enorme sonrisa pintada en la cara. Una niña un poco tímida al principio, pero que en cuanto le preguntas sobre nuevos proyectos e ideas, sobre sueños e ilusiones, comienza a hablar rápido, llena de alegría y expresividad. Al cabo de un rato, ya puedes palpar que no es tan niña, que es consciente de que lo que empezó como un juego ya no lo es tanto, y por ello sopesa cada paso que da,  pero aun así, sobre todo, lo disfruta.

Porque Marta ha triunfado con su forma de disfrutar cada momento y disfrutar también con cada outfit, divirtiéndose con la ropa, haciéndola suya, con su sencillez, con su estilo único… Las cifras de visitas y las firmas que desde hace tiempo se fijan en ella avalan su éxito, pero a la blogger madrileña no se le sube la cabeza, sigue haciendo lo suyo con humildad, dándole un toque intimo y sincero a la moda. Eso la hace especial: sigue escribiendo más sobre lo que siente, lo que le transmite este mundo, sobre sus sensaciones, que sobre la moda en sí. Porque sabe que la moda la llevan personas que sienten y están vivas, muy vivas.

- ¿Por qué decidiste crear un blog? ¿Qué te llevó a empezar con Miss Butterflyme?

- Todo empezó como un simple “divertimento” por el mundo online y la moda. No hice más que mezclar esos conceptos por el año 2006 empezando con el Fotolog, y cambiándolo por el blog en el año 2008. Me encanta compartir con gente mis intereses e inquietudes tanto por el mundo de la moda como por otras muchas cosas. Por ello, yo lo llamo `mi rincón personal´ donde plasmo parte de mi ser en unas cuantas líneas y fotografías.

- ¿Por qué elegiste este nombre para el blog?

- Pues es una cosa muy mía, yo me caracterizo por ser una chica que tiene constantemente mariposas en el estómago. Me da curiosidad esa sensación de nerviosismo que tenemos muchas personas frente una situación determinada. Así que me inventé la palabra “Mariposéame” y no hice más que traducirla al inglés consiguiendo este resultado: Miss Butterflyme (Señorita mariposéame)

- ¿Cuándo comenzaste “Miss Butterflyme”, pensabas que llegaría a tener alguna vez la repercusión que tiene hoy? ¿Cómo ha sido el camino hacia el éxito?

- Bueno, al principio es algo que ni te paras a pensar. Simplemente estás creando un rincón donde darte a descubrir un poco más en profundidad de cara a aquellos que están al otro lado de la pantalla. Pero poco a poco van aumentando tus visitas, tus comentarios, y en general el interés por tu blog. Entonces sin darte cuenta, comienzas a recibir regalos, ofertas interesantes, acudes a eventos, recibes emails de gente que tiene en cuenta tu opinión… Un día te paras a pensar la repercusión que va teniendo, y es entonces cuando te lo tomas un poquito más en serio y pasas a convertir tu blog en un proyecto más profesional que personal.

- ¿Cuál crees que es el papel de los bloggers, hoy día, en el mundo de la moda? ¿Por qué cada vez tienen más importancia?

- Es muy sencillo: La gente está cansada de tragarse a modelos perfectas y marcas que te venden un producto de ensueño que luego resulta ser todo lo contrario. De pronto surgen otro tipo de prescriptoras; más reales, más auténticas, y en resumen más como el resto de la gente. Es entonces cuando se tiene en cuenta más seriamente la opinión de una blogger de moda que de una modelo despampanante. Somos gente de la calle que abre al resto una ventana al mundo de la moda. Y cada uno desde sus casas, visita nuestras páginas para ver, simplemente, qué se cuece en el mundo de la moda de una forma más cercana (últimas tendencias, eventos de moda, noticias actuales, estilos personales…)

- Entonces ¿piensas que esto ha llevado a una democratización de la moda?

- Bueno, como te acabo de comentar, claramente sí. Existe una democratización de la moda donde cuentan más las opiniones, donde hay más interés desde otros puntos de vista y otras plataformas, y donde la gente prefiere interpretar la moda saliendo a la calle y observando que atendiendo a las supermodelos.

-  Has colaborado con algunas marcas de ropa, recibes invitaciones para ir a eventos patrocinados… ¿Piensas que las firmas están reconociendo la creciente importancia de los blogs de moda? ¿Crees que es positiva la colaboración entre marcas y bloggers?

- Sí, sobre todo de cara a este último año estamos recibiendo cada vez más propuestas por parte de las marcas. Y eso es claramente porque hemos llamado la atención de ellas. Pienso que sí que es positiva esta colaboración ya que mostramos un punto de vista mucho más cercano del producto y damos nuestra opinión real sin estar condicionados a sobrevalorar el producto como lo hacen en la publicidad. Por eso, los lectores y usuarios confían más en lo que vayamos a exponer nosotros que lo que exponga alguien que está pagado por ello.

- ¿Cómo te sentiste la primera vez que te llamó una marca? ¿Cómo fue esa primera experiencia?

- La palabra con la que mejor puedo definirlo es ilusión. Veía que algunos de los blogs que eran bastante influyentes comenzaban a colaborar con marcas y la verdad es que tuve suerte y no tardé mucho en recibir alguna prenda de ropa que combinar con mis looks y dar a conocer esa marca nueva.

- Parece que muchas de las bloggers españolas os conocéis y tenéis muy buena relación, ¿es así realmente?

- Sí, verás, muchas nos conocemos irremediablemente por la cantidad de eventos que nos surgen. Coincido más con aquellas que viven en Madrid y la verdad es que sí que tenemos buena relación. Creo que es importante que nos apoyemos entre nosotras y nos ayudemos las unas a las otras en el mundo de la moda en el que estamos empezando a asomarnos.

- ¿Qué tiene que tener un blog de éxito para ti?

 Sin duda personalidad. Ha habido claramente un “boom” de blogs en estos últimos meses y estoy segura de que no sobrevivirán todos. Cuando visito algunos de ellos, veo que por mucho tráfico que tengan todos son clones unos de otros. No me llaman demasiado la atención y, al final, sigo visitando esos tres o cuatro que veo que tienen un sello personal, una constancia, y una ilusión. Éramos pocos los blogs que empezamos hace unos años simplemente para divertirnos y es muy diferente el panorama de ahora donde no tener un blog es realmente lo extraño.

 - Tu blog es muy personal: está lleno de fotos tuyas con tus amigos, en los textos cuentas tus viajes, tus impresiones, tus emociones… ¿Crees que esta cercanía es una de las claves de tu éxito?

- Tú lo has dicho. Y de hecho me encanta que así lo percibas. Creo que lo que más caracteriza mi blog es esa pequeña puerta que abro a conocerme más profundamente contando mis experiencias personales, mis vivencias, y mi enfoque al mundo de la moda. Pero no me quedo simplemente con la moda, la moda, la moda, que creo que lo hace monótono y aburrido. Por eso pienso que, sin duda, mi sello personal es la clave del éxito de “Miss Butterflyme”.

- ¿Crees que el mundo de la moda se está viendo afectado por la crisis económica?

- Indudablemente. Es más, creo que el mundo de la moda ya no existe como lo conocíamos antes. Los diseñadores cada vez son menos conocidos y lo que prima son las marcas. Además, en estos últimos años, estamos viviendo el hábito del “Fast Fashion”: comprar más ropa, más ponible, y en un periodo de tiempo más corto. Quizás los que se están viendo más afectados son los comercios de moda más pequeños, pero creo que con el mundo online como motor conseguirán ir resurgiendo poco a poco.

- ¿Hay prendas que siempre estén de moda? ¿Cuáles son para ti?

- Creo que el sombrero. Es algo que no puedo evitar. Lo combino con mis looks siempre que puedo y es una prenda que para mí es indispensable. ¡Mi armario está plagado de ellos! Es mi prenda favorita y para mi nunca estará de más.

-         Siendo muy joven, has conseguido tener ya un huequecito en el mundo de la moda, pero de cara al futuro: ¿Qué te gustaría estar haciendo dentro de, por ejemplo, 10 años?

- Bueno, yo estoy estudiando Publicidad, Relaciones Públicas y Gestión de moda. Pero sin duda, quiero dedicarme a la moda desde el punto de vista de la comunicación. En concreto, me gustaría dedicarme al estilismo de moda, en el cual ya estoy empezando a hacer algunas cosillas y es un mundo que ya me ha conquistado. Me siento muy a gusto trabajando como estilista y creo que se me da bien. Estuve haciendo un curso de Styling en el Fashion Institute of Technology de Nueva York y salí de ahí estando convencida de que ¡ya tenía que empezar a dedicarme a ello!. Bueno, tampoco descarto la interpretación, ya que mi mayor hobby es ir al teatro. A lo largo de mi vida he hecho varios cursos de interpretación, pero es un mundo muy duro en el que tienes que estar psicológicamente muy preparado. Ahora lo he dejado aparcado, pero probablemente no descarte retomarlo en un futuro no muy lejano.

[Video-montaje realizado por Marta Arechabala sobre sí misma

IRENE GONZÁLEZ REGUERA

Nueva York homenajea a la historia de la moda española y acoge, en la sede americana de la fundación Gabarrón, (perteneciente a Cristóbal Gabarrón, destacado artista español) una muestra que vincula la moda actual con sus orígenes.

Hasta el 31 de Octubre se puede disfrutar en este singular y vanguardista rincón de la City de las obras de grandes diseñadores españoles como Ana Locking, Andrés Sardá, Juanjo Oliva, Amaya Arzuaga, Custo Barcelona o Debota y Lomba, entre otros muchos.

La exposición está  organizada por ACME (Asociación de Creadores de Moda de España), en colaboración con el Ministerio de Cultura, la Fundación España-EEUU, el Gobierno Regional de Madrid y la Pasarela Cibeles.

La intención es aunar los diseños más modernos y actuales y la larguísima tradición de artesanía que tiene España. Así, en se puede ver cómo embellecen las piezas de la muestra los bordados y la pasamanería o de qué manera el encaje de bolillos es adaptable a nuestro tiempo.

La simbiosis entre modernidad y tradición es perfecta cuando la llevan a cabo las mejores agujas de nuestro país, que han querido, al involucrarse en este proyecto, recordar la larga tradición que tiene el oficio del diseño en España. Por lo tanto, en esta exposición el visitante tiene la oportunidad de hacer un viaje a lo más profundo de la cultura de la moda española, a sus raíces.

Nuria Sardá, hija del diseñador Andrés Sardá y directora creativa de la firma de su padre, afirma que “el prêt-à-porter y la alta costura están hechos de artesanía”, que el origen de este tipo de moda está en esta pasión por el detalle  y que “si perdemos a los artesanos, no podemos trabajar”.

El mensaje global es que, frente al auge de lo industrial, hay que defender el trabajo manufacturado, hecho con el mimo y la delicadeza de antaño, y que es posible una comunión con los antiguos oficios para que no caigan en el olvido y puedan integrarse con las últimas innovaciones en diseño de moda.

Además, también en esta misma exposición se realiza un recorrido histórico desde los siglos XVI y XVII, en los que la indumentaria era símbolo del poder del Imperio español, hasta la actualidad, pasando, por supuesto, por los grandes maestros del siglo XX, como Balenciaga o Fortuny.

En definitiva, en estos días la fundación Gabarrón invita a todo el que pueda acercarse a aprovechar esta oportunidad única de contemplar, en  el marco incomparable que ofrece Nueva York, obras creadas expresamente para esta ocasión por los mejores modistos españoles, y de conocer un poco más de nuestra cultura y de la historia de la moda.

IRENE GONZÁLEZ REGUERA

Fue la ministra de cultura, Ángeles González- Sinde, la encargada de comunicarle la buena noticia. El jurado, formado por Fernando Aguirre, por la Asociación de Creadores de Moda de España; Alvaro Castejón, designado por el Instituto Superior de Empresa y Moda; Eugenia de la Torriente, por El País Semanal; Ana Ureña, por ABC; y Ana Martín González, designada por la Federación Española de Empresas de Confección, premian así la trayectoria brillante al creador.

Elio Berhanyer, de 82 años, lleva trabajando en la alta costura desde los 27 años, por lo que se puede decir que su obra es una de las más extensas en el mundo de la moda española contemporánea, con más de 100 colecciones a sus espaldas. En 1960 fundó su propio taller y en 1969, tras sus “años de oro”, reorientó su camino y creó su primera colección de prêt à porter.

Elio Berhanyer ha diseñado a lo largo de su trayectoria más de veinte mil vestidos

También fundador de la Asociación de Creadores de Moda, Berhanyer tiene el orgullo de haber vestido a mujeres de la talla de Ava Gadner o Cyd Charisse, y también a la reina Sofía o la infanta Doña Pilar, entre otras muchas personalidades.

No es este premio, dado su recorrido, ni mucho menos el primero que recibe,  pero tiene un sentido especial por llegar en uno de los momentos más delicados y difíciles para el diseñador. Hace poco Berhanyer lamentaba tener que anunciar que no estaría presente en esta 53ª edición de Cibeles Fashion Week, la pasarela que hace apenas dos años le homenajeaba por su 80  cumpleaños,  debido al cierre de su firma. La crisis económica  ha podido con el modisto, que ha perdido el respaldo financiero de Artesanos Camiseros, su socio empresarial desde 2006. La empresa ya no veía rentable seguir manteniendo económicamente la actividad del maestro. Hace apenas unos días se procedió al desahucio por impago del taller que tenía en la madrileña calle de Fortuny, y los propios trabajadores admiten que llevaban meses sin cobrar su sueldo.

El diseñador se despedía de las pasarelas rodeado de sus compañeros, modelos y amigos.

No son buenos tiempos para uno de los más insignes diseñadores de nuestro país, quien se ha refugiado en su cátedra en la universidad de su Córdoba natal, aunque afirma que esto no es un adiós para siempre, sino un hasta luego, y que “morirá con las botas puestas”.

Por lo pronto, ya ha hecho Historia, y hasta Correos le rinde homenaje, poniendo en circulación 4 sellos con reproducciones de modelos suyos.

A la pasarela de París solo llega lo mejor de lo mejor, y  la capital francesa ha acogido esta semana, del 28 de septiembre al 5 de octubre, a los grandes nombres del diseño de moda internacional, que nos han presentado en el más señalado de los escenarios las próximas tendencias para la temporada primavera -verano del 2012.

Si hace unas semanas Madrid disfrutaba de su Madrid Fashion Week en Cibeles,estos días ha sido París el centro neurálgico de la moda.

En París, esta semana hemos visto colecciones mucho más sobrias y adaptadas a un look de calle que las que pudimos ver en Milán la semana pasada. La mayoría de los diseñadores han optado por ofrecer para la siguiente temporada un estilo más sencillo y ajustado a la realidad económica, sin perder ni un ápice de  glamour, una constante en las colecciones más reseñables de las pasadas jornadas.

Givenchy opta por el total-white en gran parte de su colección

Como claro ejemplo de esta tendencia, la casa Givenchy, que ha renunciado a los estampados que llenaron de color su colección de otoño-invierno para dejar paso a los tonos neutros, que le permiten destacar por su siempre exquisito patronaje. La casa muestra prendas con cortes limpios que favorecen a la silueta  y un minimalismo que resalta un excelente trabajo en taller.

En esta misma línea, Hermès simplifica al máximo su gama tonal y se queda con el blanco como color estrella, acompañado solo en ocasiones por tonos terracota y azules. La colección de esta casa francesa ha destacado y sorprendido por sus cómodas creaciones, ya que hemos podido ver faldas anchas, blazers masculinas, y camisas vaporosas, con reminiscencias del desierto, pero que no pierden la femininidad ni la elegancia característica de la marca.

En el desfile de Valli se pudo ver animal print combinado con prendas mucho más austeras

Stella McCartney, fiel a su forma de trabajar, ha presentado una colección de líneas depuradas y simplicidad cromática, y que se rige, en general, por la máxima de comodidad.

Giambattista Valli, por su parte,  también se apunta al blanco como base, y a los cortes limpios y patrones cómodos y sencillos, que no por ello menos elaborados, aunque incluye tejidos más ricos y juega con los estampados tribales y felinos, que, sin llegar a recargar  estéticamente, aportan contraste.

La casa Balmain, por otro lado, y saliéndose un poco de la tendencia general,  permanece dentro de su estilo más barroco, sofisticado y sexy, pero renuncia  a la omnipresencia en esta temporada de los tejidos más “duros” como el habitual cuero de sus colecciones. Vemos también como las formas se relajan y suavizan ligeramente, aunque siga contando con el toque grunge de las aplicaciones y tachuelas.

El look casual ha sido protagonista en muchos de los desfiles de esta edición de la Paris Fashion Week

Sorprende, por rompedora, Isabel Marant, que deja atrás su emblemática sofisticación para presentar un show lleno de elementos casual, divertidos y desenfados, como jerseys oversize, combinados con pantalones y shorts patchwork, destinados a un público más joven que nunca.

Valentino  en su presentación ha optado por los tejidos vaporosos y sueltos, y por tonos pastel en su mayoría, aunque sin relegar del todo al color rojo que caracteriza a la firma, aunque lo reserve para la noche.

Chanel ha protagonizado el show más esperado, y en su colección se aprecia como el Káiser se ha rendido a los tonos perla y, como en la mayoría de las colecciones que se han visto esta semana, al blanco y al crudo. Inspirado en el mundo marino, deja que este se intuya en sus creaciones a través de la texturas. La maison trae a París una propuesta armónica y bien trabajada.

Aún queda mucho por ver en la última jornada de esta semana de la moda de París que está resultando un éxito rotundo, pero a estas alturas parece que el eje común de la próxima temporada es no dejarse llevar por los excesos y dar prioridad a lo natural, con prendas que destaquen, ante todo,  por una factura y corte impecables.

Irene González Reguera